Texto y video por: Yesica Torres
Fotografías: NadQs
Anoche, la mítica banda británica Paradise Lost ofreció un espectáculo que no solo fue un recorrido por sus múltiples eras sonoras, sino también una ceremonia lúgubre que puso a prueba el alma de quienes se congregaron allí.
El recinto, colmado de fans del doom, death y gothic metal, vibró desde las primeras horas gracias a la enérgica apertura de los bogotanos de CANALLA, una agrupación que encarna el filo crudo del hardcore. Su presencia fue como un puñetazo seco al pecho sincera, brutal, sin adornos. Luego emergió UNDER THREAT, no como teloneros, sino como heraldos. Su death melódico, madurado durante décadas, sirvió de preludio épico para lo que estaba por venir. Curiosamente, esta banda también compartió tarima con Paradise Lost días antes en el Circo Volador de México.
Paradise Lost subió al escenario con una elegancia que solo los años de oscuridad bien llevada pueden conferir. Sin aspavientos, la banda liderada por Nick Holmes entró como espectros ya conocidos, desatando desde el primer instante una ola de emociones con “Enchantment”, tema que abre su aclamado álbum Draconian Times (1995). Fue una apertura majestuosa, donde la melancolía y el poder se dieron la mano. La atmósfera se tornó densa, casi irrespirable, y sin pausa entregaron “Forsaken”, pieza de su álbum Symbol of Life (2002), donde las guitarras resonaron como un eco de fatalidad que encontró eco en cada pecho.
El lamento furioso de “Pity the Sadness” nos arrastró aún más profundo. Proveniente del Shades of God (1992), esta canción fue recibida con devoción, como si cada palabra pronunciada por Holmes fuese un salmo de desesperanza compartida. En contraste, “Faith Divides Us – Death Unites Us” (del álbum homónimo de 2009) mostró la capacidad de la banda para mantenerse relevante, proyectando una oscuridad elegante, refinada, que trasciende generaciones. Su interpretación fue precisa, como si diseccionaran nuestras convicciones con cada verso.
Con “Eternal”, de Gothic (1991), el ambiente adquirió una textura más arcana. Las sombras parecieron espesarse mientras las notas abrasaban los rincones del recinto. La crudeza de los primeros años de la banda se hizo presente, recordándonos que el metal gótico tiene raíces profundas en el death y el doom más visceral. Acto seguido, “One Second” (de One Second, 1997) nos transportó a una dimensión distinta; electrónica, introspectiva, más introspectiva que sombría, pero igual de devastadora. El público, lejos de dividirse, abrazó esta faceta con un respeto absoluto.
“The Enemy”, extraído de In Requiem (2007), nos devolvió a una agresividad medida, madura, que no necesitó velocidad para devastar. Fue el preludio perfecto para “As I Die”, himno absoluto de Shades of God (1992), que desató uno de los momentos más apoteósicos de la noche. Las voces del público se fundieron con la de Nick en una suerte de exorcismo colectivo. Cada palabra fue escupida con un dolor compartido y una euforia transcendental.
Cuando llegó “The Devil Embraced” (Obsidian, 2020), la solemnidad adquirió un carácter contemporáneo. Este tema demostró que la banda sigue sabiendo cómo articular lo gótico con lo moderno, sin perder esencia ni impacto. Le siguió “The Last Time”, de Draconian Times, “No Hope in Sight”, de The Plague Within (2015), fue una herida abierta que se canta a gritos para no dejarse vencer por el silencio. Luego, “Say Just Words” (One Second) nos hizo volver a esa etapa híbrida y melancólica, con una interpretación que pareció reescribir el dolor. El cierre fue monumental: “Embers Fire” (Icon, 1993), “Small Town Boy” (cover del clásico synthpop de Bronski Beat incluido en Tragic Illusion 25), y “Ghosts”, otra joya de Obsidian, tejieron un final de múltiples capas; agresividad, nostalgia, y esa clase de belleza trágica que Paradise Lost domina como pocos.
A pesar de que la noche bogotana se encontraba fragmentada en múltiples vértices musicales con el rugido del Monsters of Rock 2025 atronando desde el norte de la cuidad, la nostalgia soul del tributo a Amy Winehouse deslizándose en el Astor Plaza y por último BEAT la banda tributo a King Crismón arrasando en el Royal Center, y otros conciertos simultáneos invocando distintas pasiones, el llamado de Paradise Lost fue ineludible para sus fieles. Contra todo pronóstico, Ace of Spades lució imponente, con una afluencia que desbordaba compromiso. No era fácil competir con tantas ofertas sonoras en una misma ciudad, sin embargo, la oscuridad gótica logró convocar su propio aquelarre. La asistencia fue no solo numerosa, sino también entregada un conjunto de almas que eligieron la introspección sonora sobre el frenesí externo, encontrándolos en los acordes de Paradise Lost.
El concierto fue más que un repaso por su discografía su legado habla con la voz de las décadas y resuena con la persistencia de lo ineludible. Lo suyo no es la estridencia de la autopromoción, sino la alquimia de convertir el dolor humano en formas sonoras que trascienden lo efímero. Su paso por Bogotá fue más que una ejecución impecable; fue una experiencia sensorial densa, un acto litúrgico en el que se conjugaron los espectros de su discografía con las emociones íntimas de un público dispuesto a habitar la penumbra. No hubo lugar para lo ornamental ni lo superfluo cada acorde fue una incisión precisa, cada silencio, un eco que se quedará rondando.
En un tiempo saturado de urgencias estéticas y fórmulas previsibles, Paradise Lost permanece como un fenómeno anacrónico y necesario, una manifestación artística que no teme a la decadencia ni al tiempo, porque ha hecho de ellos sus principales aliados. La noche en Ace of Spades no fue un simple recital; fue una suerte de vigilia compartida entre extraños que, sin buscarlo, se reconocieron en el claroscuro de estas composiciones. Mientras la ciudad seguía su curso, allí dentro se detuvo el reloj; fuimos testigos de una ceremonia de sombras donde la belleza, como la verdad, se reveló sin pedir permiso.
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